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 El
Contemporáneo se convierte en asignatura básica para todo lo relacionado con el
Movimiento en la danza.Se hace especialmente interesante también para el estudiante de Ballet Clásico y Danza Española, ya que se encuentra entre una de sus asignaturas. La línea de enseñanza de la escuela se ve directamente influenciada por la gran profesora de técnica Graham Christine Tanguay, quien a su vez a enseñado a nuestras profesoras.
 El ballet tiene
su origen en el siglo XVIII. A partir de entonces, ha ido evolucionando técnica
y artísticamente, dando lugar a la formación de diversas escuelas con fama internacional.En España, nexo de muchas culturas, los grandes profesionales del mundo de la danza se han formado recibiendo influencia de todas ellas. En la escuela Marta de la Vega, contamos con grandes maestras como Julia Estevez, Silvia Mira, Sonsoles Jiménez y Eva Pérez, las cuales tienen una gran experiencia profesional como bailarinas (tanto en España como en el extranjero) y como profesoras.  En
la escuela formamos a los niños desde los 4 años, hasta que terminan la carrera
y entran al mundo profesional tanto de la docencia del ballet como bailando (actualmente
hay alumnos de la escuela bailando en Sttutgart Ballet, The Royal Ballet, Compañía
Nacional de Danza, etc...)El ballet es la base técnica de muchos tipos de danza, que permite alcanzar un mayor perfeccionamiento en las mismas. Así mismo, el ballet es muy recomendable para aquellas personas, que sin dedicarse profesionalmente, quieren mejorar sus forma física en: coordinación, elasticidad, equilibrio, resistencia, fuerza y sentido rítmico y musicalidad
 La Escuela Bolera es el auténtico Ballet Clásico Español. Según los historiadores
comenzó a gestarse en el siglo XVII, se fue sistematizando en el siglo XVIII y
por último se difundió y reconoció en el XIX, asistiendo a un resurgimiento en
el segundo tercio del siglo XX. No cabe duda de que es una de las joyas del patrimonio
dancístico de nuestro país.En la primera etapa este baile era aceptado generalmente por todas las clases sociales. Tomando referencias de los libros de la época, como el de Juan de Esquivel y Navarro de 1612 "Discurso sobre el arte del danzado y sus excelencias" o el publicado en 1745 de Ferriol y Boxerau "Reglas útiles para los aficionados a bailar", así como los de Pablo Minguet e Irol, de 1754, "El danzar a la francesa" y "El tratado de los pasos de danzar a la española", podemos sacar distintas conclusiones: El carácter del baile español fue haciéndose patente en la danza de la época, tanto dentro como fuera de nuestras fronteras. Los bailarines de los países europeos se hacen incluso famosos con nuestro repertorio. Los maestros de danza españoles fueron adquiriendo fama y prestigio social, tomando un papel importante en la vida cultural de la época. Es muy conocida la obra literaria de Calderón de la Barca "El maestro de danzar", que cuando se ponía en escena se jalonaba incluso con intermedios de baile. Ellos fueron los encargados de recoger una naciente escuela internacional de baile español, en cuyo repertorio era imprescindible el bolero. La segunda etapa sería la de su acceso al mundo de los teatros, como acompañamiento orquestal, tal y como se hacía con las contradanzas y los minuetos. La primera academia de baile se crea en Madrid en 1808, gracias a la propuesta del Marqués de Perales al Ayuntamiento. Se crea así la Academia Oficial de Baile Teatral en defensa de los estilos propios españoles. Este hecho demuestra el gran interés por la danza a un nivel administrativo y político. Otras instituciones tuvieron también su importancia para el desarrollo de la Escuela Bolera: el Teatro del Circo de Madrid que funcionó desde 1842, fundó una compañía de Ballet y la Academia Coreográfica, bajo el mecenazgo del Marqués de Salamanca, también, como constatábamos ya la semana pasada, la gran importancia que tuvieron el Teatro del Liceo de Barcelona y el Teatro Real de Madrid. Por aquel entonces, Chopin escribe bajo el título de Bolero su ópera 19. Éste baile por su claridad y estabilidad en repertorio y forma representa la aportación romántica y nacionalista de España al ambiente musical europeo. La tercera etapa está constituida por los dos últimos tercios del siglo XX. Marienma, la gran maestra de la Escuela Bolera la ha llamado de "resurgimiento", dados los grandes bailarines y bailarinas en esta faceta, que formaron sus propias compañías privadas, desarrollando este tipo de repertorio. La Argentina, Pilar López, los Pericet, Antonio Ruiz Soler, Vicente Escudero y la propia Marienma cultivaron este género y lo dignificaron. Hoy en día la Escuela Bolera ha enfrentado en cierta manera a dos sectores de la profesión: los que piensan que para interpretarla adecuadamente es imprescindible una formación importante en Danza Clásica y los que piensan que sus propias variaciones, de carácter genuinamente español, son más que suficiente para formar a sus intérpretes. Podríamos diferenciar básicamente cuatro formas de interpretación en la Bolera: la Madrileña, la Gaditana, la Sevillana y la Malagueña. Sus diferencias no son grandes y son más bien debidas a los maestros que a su vez han influenciado directamente en otros profesores. Maestros legendarios fueron Carito, Realito, el maestro Cansino (padre de la célebre actriz Rita Hayward), el maestro Coronas, quien fue profesor de Magriñá, Antonio Boliche, Sebastián Cerezo, Miralles, Paco Reyes, Luis del Río, Marienma y de forma excepcional hemos de citar a la familia Pericet, maestros y bailarines a través de generaciones.
 1. BREVE REPASO HISTÓRICO.Fenómeno artístico que se va fraguando muy lentamente con influencias de muy distinto signo: aires folclóricos, canto gregoriano, romanceros populares, cancioneros árabes y sefardíes y canciones de los gitanos. Todo ello adquiere una dimensión superior en el siglo XIX. Sus tres principales influencias son hebrea, árabe y gitana. S. XVII: Se va gestando la gama de estilos que hoy conocemos. S.XVIII: Principalmente se circunscribe al ámbito familiar. Primeros espectáculos flamencos. S. XIX: A mediados de siglo se crean los cafés cantantes, supondrán el verdadero esplendor que traerá como consecuencia la profesionalización. S.XX: En el primer tercio desaparecen los cafés cantantes. De 1920 a 1955 se lleva el Flamenco al teatro: es la época del Flamenco Opera. Llega al gran público. Primeros documentos sonoros: los discos de pizarra. S.XXI: En la actualidad la evolución y la fusión con nuevas tendencias es inevitable, pese a la gran polémica que esto ha generado. 2. LAS TRES FACETAS DEL FLAMENCO: · Cante: es el primero que nace, por lo tanto ocupa un lugar prioritario que hay que respetar si se conjuga con el baile. · Guitarra: La historia de la guitarra flamenca es muy breve.. Sabicas y Paco de Lucía han revolucionado la técnica. · Baile: En cierta medida también manda, transmite, mediante unos gestos establecidos, la estructura y el ritmo que los músicos deben seguir. 3. PRINCIPALES FIGURAS DEL BAILE FLAMENCO. · S.XIX: La Macarrona, Antonia Mercé "La Argentina". · S. XX: Encarnación López "La Argentinita", Pilar López, Vicente Escudero, Antonio Ruiz, Carmen Amaya, Antonio Gades, Cristina Hoyos, Matilde Coral, Manuela Carrasco, Merche Esmeralda y un larguísimo etc de jóvenes.  4.
LOS PALOS DEL FLAMENCO: Compases y familas de cantesPodemos agrupar los distintos palos del flamenco de distinta forma, de entre ellas la que presentamos sirve para dar una visión general de la amplitud del flamenco y los distintos palos que lo componenen 1. CANTES SIN ACOMPAÑAMIENTO 2. CANTES FUNDAMENTALES 3.CANTES DE CÁDIZ 4.FANDANGOS 5.CANTES POR FIESTA 6.CANTES DE LEVANTE 7.CANTES AUTÓNOMOS 8.CANCIONES AFLAMENCADAS En la escuela Marta de la Vega, se imparten clases prácticas sobre flamenco (con técnica y coreografía), donde también se explica teóricamente como entender el flamenco: los distintos palos (y el tipo de compás que utiliza), las partes de las que se compone cada palo, el acompañamiento de la guitarra y las palmas.
 La
danza estilizada es la libre composición de pasos y de coreografías basadas en
bailes populares, en el flamenco y en la escuela bolera.La composición de estas danzas, si se hace sabiamente, con sensibilidad musical y con un conocimiento profundo de las tres formas básicas del baile español, esto es, la escuela bolera, la escuela flamenca y los bailes regionales, constituye la cuarta forma, y puede ser la más alta manifestación artística del baile español. La danza estilizada ha sido entre todas las formas españolas la primera en abrir caminos y conquistar los públicos más exigentes, llevada de la mano de Antonia Mercé, La Argentina. En las danzas estilizadas, es de capital importancia la fidelidad a la música sobre la que se crea la coreografía. El coreógrafo está obligado a respetar esa música en toda su extensión, intención, movimiento y matices. No debe estorbar nunca a la música el sonido de los zapateados, de las castañuelas, de las palmas... La creación coreográfica estilizada debe hacerse con aportaciones que pongan de manifiesto el arte, la imaginación, y la musicalidad del coreógrafo. Los paladines de esta forma de danza fueron La Argentina, La Argentinita y Vicente Escudero. Somos poseedores de una danza donde se unen, el más rico folklore, el más exótico flamenco, el más académico, la bolera y la más actual, culta y elevada: la estilización de las tres formas. La especial dificultad de ejecución e interpretación inherentes a la danza española, hacen de ella una materia que exige intensa preparación previa y una sólida base técnica, sin las cuales resulta imposible abordar de un modo coherente la obligada disociación de elementos rítmicos y dinámicos entre las partes superior e inferior del cuerpo, lo cual constituye la base del estilo español. El tratamiento teatral de las distintas versiones que adopta la danza en España desde principios del siglo XX, tanto en versión de concierto con piezas solistas y de conjunto, como el gran formato de los ballets con desarrollo dramático que precisan un importante número de ejecutantes, adopta indistintamente la denominación de Clásico Español o Estilización. El aglutinamiento de estas realidades forma lo que hoy en día conocemos como danza española, con un vocabulario específico para cada una de las materias que la componen, que exige una especial versatilidad para su interpretación. Castañuelas Algunos autores conciben el aprendizaje del toque de la castañuela como instrumento musical en sí mismo. Sin quitarle el mérito a concertistas como Lucero Tena, José de Udaeta o Enma Maleras resaltamos la falta de estudios teóricos sobre la coordinación de las castañuelas con el movimiento. Se necesita una independencia motriz, así como sentido del ritmo y musical. Al hablar de baile español, se piensa en las castañuelas, que dan ese carácter peculiar y único, que no tiene otro baile sobre la tierra. El acompañamiento simultáneo de percusión ejecutada por el propio bailarín, como es el caso de las castañuelas en cualquiera de sus variantes, es otra dificultad añadida que precisa de una preparación progresiva no diferente a la de cualquier otro instrumento musical, con un trabajo personal aparte de la enseñanza tutelada.
 En
el siglo XIV, el arte en todas sus manifestaciones se desarrolló con rápido y
creciente ritmo. Tanto las autoridades civiles como religiosas, municipalidades
y otras corporaciones organizaban fiestas fastuosas, imitando los antiguos tiempos
paganos. Las danzas interpretadas por el pueblo en épocas anteriores no solo no
desaparecieron, sino que se crearon otras.Una de las danzas más importantes de aquella época fue la Zarabanda que junto con la Ceranda, Cerandero, fueron consideradas inmorales por sus movimientos, siendo prohibidas por las autoridades civiles y religiosas. En esta época ya existían los maestros de baile los cuales, al ser prohibidos los bailes citados, se vieron en la necesidad de crear nuevas danzas ya que el pueblo necesitaba manifestarse de forma folklórica. En primer lugar se crearon las seguidillas y los fandangos; de estos, nacieron los boleros y jotas, ésta última como baile ya que como canto ya existía. Estos bailes se extendieron por toda la peninsula, acoplándose a las características y formas de hacer de cada región, de forma que aun interpretándose la misma música en diferentes autonomías, la forma de bailarlas es completamente diferente. Si nos paramos a observar y analizamos veremos que por cuestiones climatologicas y orográficas, según vamos bajando geográficamente, los brazos van subiendo; y, por el contrario, los talones se acercan más al suelo. Ejemplo: En vascongadas, la mayoría de las danzas son con los brazos caídos, paralelos al cuerpo y los pies en un releve muy marcado; Pues bien, en Castilla - León, los brazos ya han subido un poco y los pies han bajado. Hasta que llegamos a Andalucía, región en la que los brazos van muy altos y los pies hasta marcan zapateados. Pero las diferencias no sólo existen en los brazos y los pies, sino también en los movimientos del cuerpo. Existen zonas en las que los hombros se mueven más que en otras; lo mismo pasa con las caderas y, aún, en aquellas en las que se mueven los brazos, la forma de hacerlo es completamente distinta: para que nos hagamos idea de la importancia del tema pondré ejemplo de dos regiones tan cercanas como son Aragón y Cataluña, o Galicia y Asturias, en las que podremos observar diferencia en su forma de interpretar la danza. No existe ningún otro país en el mundo que tenga tal variedad de danzas como el nuestro. Uno de los objetivos de esta disciplina es la conservación y la difusión de estos estilos tan representativos del carácter y forma de comportamiento de los habitantes de la piel de toro que es nuestra tierra. El objetivo e interpretación de la enseñanza de la danza tradicional, debiera ser la conservación de la misma, de sus diversos estilos, de respetar su pureza y las grandes diferencias que existen, no sólo entre provincias, sino también de comarca a comarca. En la danza popular tenemos que hacer una distinción entre: Las danzas gremiales y religiosas, generalmente, tenían coreografía, transmitida de padres a hijos, y la dirección de las mismas era privilegio de una determinada familia que era la encargada de dirigir los ensayos y, por tanto, la danza. De este tipo de danza conservamos muchas en España. Por el contrario las danzas festivas, no tenían coreografía; eran bailes de pareja, bien se bailasen formando calle, bien se interpretasen situándose las parejas de forma desordenada, aunque hoy en día a estas danzas se les haya creado coreografía por una necesidad de acercamiento al público. Es tanta la importancia de la difusión de estas danzas, que con nuestras danzas podemos reconstruir la historia de nuestro país. Esto nos indica el valor cultural que las mismas tienen, ya que la persona que se dedica a la enseñanza de este tipo de danza tiene la obligación de dar a conocer no sólo los pasos de la misma, sino también su historia, orígenes y significado, y todo aquello que la rodea, como vestuario, utensilios, épocas del año en que debe interpretarse, significado de sus movimientos, causas que motivaron su estilo, relación con otras danzas, evolución de las mismas, causas que motivaron esta evolución, etc..
En esta escuela se prepara a todos los los alumnos con gran éxito (casi 100% de aprobados) para dichos exámenes que les permitan obtener su diploma de Ballet Clásico, Danza española y carrera de Flamenco.
Las personas que deseen presentarse a estas pruebas serán orientadas en las clases para que adquieran la preparación más adecuada posible.
 El bailarín debe tener la formación más completa posible.Por ello se cuenta con clases de Solfeo en las que se comentan los ritmos a tratar por los bailarines y su interpretación.
MÚSICA Y MOVIMIENTO ( de 3 a 6 años) En nuestra niñez todos los aprendizajes que contribuyen al desarrollo motórico e intelectual, están sustentados por el movimiento, la experimentación y la imitación, aderezados con un buen toque de ilusión y motivación. El movimiento es la base del desarrollo intelectual. Un niño en movimiento, es un niño sano. Un niño que no toca, que no ve, que no oye, que no hace, se pierde en lo abstracto del concepto. Por eso necesitan “hacer”. Utilizamos un modelo de referencia como guía de un aprendizaje equilibrado. De niños miramos a los mayores, atentamente. En su quehacer encontramos una guía. Imitando, encontramos el camino para hacer, en el mundo que nos rodea. Música para saltamontes plantea un acercamiento al movimiento y el ritmo, como base de la danza y la música, a través de un modelo basado en la proposición, y no imposición de la actividad. Un niño motivado, no necesita ser obligado. Dentro de un ambiente rico en música y movimiento, el niño podrá jugar y disfrutar, teniendo vía libre para experimentar con el otro, así como con los materiales e instrumentos a su disposición. CLASES A PARTIR DE OCTUBRE LOS MIÉRCOLES DE 17.30 A 18.30 CON JAIME SAURA ( MÚSICO Y MAESTRO INFANTIL ESPECIALIZADO EN PEDAGOGÍA WALDORFF) MATERIAL NECESARIO: ROPA CÓMODA Y CALCETINES ANTIDESLIZANTES SE PODRÁ ASISTIR A LAS PRIMERAS CLASES ACOMPAÑADO POR UN ADULTO
Esto es algo que el profesor realiza con frecuencia.
 La
escuela posee una Compañía que realiza espectáculos fundamentalmente en la Comunidad
de Madrid. En ellos se trata de aunar el trabajo de músicos y bailarines de distintas
disciplinas.Como objetivo un trabajo coreográfico serio y responsable que permita a los alumnos formarse en el mundo de la escena.  Contamos
con colaboradores y coreógrafos extraordinarios como Victor Alvarez (bailarín
solista del Royal Ballet, Danish Ballet, etc…), Juanjo Linares (en folclore) ...
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CARRERA
DE FLAMENCO
FLAMENCO
DEGREE
Todos los niños poseen una innata motivación por querer hacer, experimentar, sentir y disfrutar. Disfrutar cantando, saltando, corriendo, trepando, ¿quien no ha visto a un niño haciendo esto?
La Compañía Joven Marta de la Vega ha actuado recientemente
en la fiesta de Enseñanza danza española y flamenco en Madrid, enseñanza de danza clásica, contemporanea, española y musica tradicional.
Todos los niveles en una amplia franja horaria.
Profesores titulados de reconocido prestigio.
Preparacion de examenes y profesional.
Preparacion todas las pruebas de acceso.